comentarios de un artista pintor

¿Porque invertir en obras de artistas emergentes?

2010-09-23T10:30:00.000-07:00

Los expertos nos dan una guía para iniciar la inversión en arte.
Cuando nuestro capital de al respecto, no es muy amplio, podemos tener en consideración a los artistas emergenes, pues si atinamos bien, nos proporcionará un mejor resultado que muchas otras formas de invertir nuestro dinero y una gran satisfacción.

Ante la incertidumbre de los principales indicadores financieros y la volatilidad de la mayoría de los activos, el arte se convierte en una opción para el resguardo del valor y, por qué no, en la oportunidad de multiplicar varias veces el capital invertido. Por supuesto, siempre teniendo en cuenta que es un proyecto a mediano o largo plazo y que no cuenta con la misma liquidez que otras alternativas.

El mercado de arte local (Argentina) mueve por año US$ 100 millones, pese a que la mayoría de los especialistas coincide en que no está atravesando su mejor momento. Eso lo convierte en una oportunidad de negocios para los inversores. Pero, ¿cómo invertir en arte y diversificar una cartera? ¿Qué artistas dejan los mejores márgenes?

“El mercado del arte es casi el más perfecto. La ley de oferta y demanda no se puede alterar. La única excepción es que la escasez no aumenta, sino que disminuye el valor”, dispara Ignacio Gutiérrez Zaldívar, director de la galería Zurbarán. Es el primer dato a tener en cuenta: un pintor sin cuadros no es promocionado. Picasso, uno de los artistas más cotizados en el nivel mundial, hizo 90.000 obras; Marc Chagall, 50.000. En el ámbito local, la premisa es la misma: Leopoldo Presas o Carlos Alonso, por caso, pintaron unas 20.000 obras. La cantidad garantiza la promoción por parte de las galerías y los marchants, y la consecuente cotización de las obras, que se valorizan hasta en un 12 por ciento anual acumulativo.

Algo importante de recalcar, es que, en Argentina, por ejemplo, ni el uno por mil de la población compra arte (unas 40.000 personas- Un estimado semejante sucede en la mayoría de paises latinoamericanos),mientras que en los Estados Unidos el 2,5 por ciento lo hace, y es superior en otras partes del mundo. “Entonces, los precios sólo van a subir, porque lo único que puede ocurrir es que aumente la demanda, no se puede achicar”, resume Gutiérrez Zaldívar. Guillermo Ruberto, coleccionista y especialista en mercado de capitales, coincide: “El arte comparativamente a nivel calidad/precio es mucho más barato en la Argentina. Por eso es una buena inversión: tiene valores muy bajos a escala internacional”.

Un negocio particular es el que lleva a cabo la galería Zurbarán, que entrega las obras en alquiler o leasing al 6 por ciento anual de su valor. Hoy tiene más de 1000 piezas en paredes de terceros. Pero la novedad es que la galería garantiza la recompra (en cualquier momento y sin explicación previa) del ejemplar por lo menos al mismo valor en dólares que el cliente pagó originalmente. “En enero de 2002, la única plata cash era un cuadro de Zurbarán”, grafica Zaldívar, quien asegura que hasta el momento sólo recompraron el 8 por ciento de lo vendido, con ganancias de un 28 por ciento.

La hora de la elección
Decidir en qué artista invertir depende del presupuesto con el que se cuente. Optar por un consagrado supone montos más altos pero es más seguro. Para comprar artistas emergentes no es necesario manejar grandes cantidades, pero aumenta el riesgo y se necesita tiempo para acompañar el proceso del artista. “Es una inversión a mayor plazo”, explica Marcela Sánchez Zinny, al frente de SZ Consultores en Arte. A modo de diversificación, la experta recomienda destinar el 60 por ciento del presupuesto a artistas consagrados y en vías de consolidación, y el 40 por ciento a emergentes. “En el caso de un comprador chico, sólo debe apuntar a los artistas emergentes, dado que un bajo presupuesto no permite acceder a obras buenas de artistas consagrados. Que normalmente rondan arriba de los $10,000 dolares. Una regla básica es no comprar nunca una mala obra de un buen artista sólo por tener esa firma”, y es un error que incurren constantemente los inexpertos en compra de arte.

“La inversión en clásicos es más conservadora: no suben tanto en momentos de burbujas y no caen tanto con las crisis. Hubo un deterioro de los precios pero no tan significativo como en el arte contemporáneo”, coincide Ruberto. Para Mauro Herlitzka, director de la feria Pinta, y vicepresidente del Malba y de la fundación Espigas, los contemporáneos pueden tener un valor de crecimiento más rápido que un artista de trayectoria. Además, existen aún muchs artistas poco conocidos o subvaluados, que al aparecer en escena, tienden a valorarse rápidamente.

Para Gastón Deleau, director de Arte al Día y organizador de Gallery Nights, acertar con el artista es fundamental. Así, explica, quien haya apostado por la generación que en los ‘90 tenía 30 años valorizó su capital. “Aquel que compró un Jorge Macchi hace 10 años recuperó con creces su inversión. Y quien compró un Pablo Siquier en los ‘90 en US$ 2000, por ejemplo, hoy vale US$ 15.000”, destaca.

Según Sánchez Zinny, algunos artistas argentinos ya consagrados y con cotizaciones sólidas son Pettoruti, Xul Solar, Berni, De la Vega, Greco y Kuitca. Mientras que entre los artistas jóvenes ubica a Jorge Macchi, Pablo Siquier, Beto de Volder, Fabián Burgos, Marina de Caro, Lucio Dorr, Rosana Schoijett, Ignacio Iasparra y Flavia Da Rin. Las obras de artistas consagrados parten desde los US$ 5000 y, las de los artistas emergentes, desde US$ 300 o $400. Para Gutiérrez Zaldívar, la obra promedio en remate es de US$ 3000 y en galería, entre US$ 1000 y US$ 8000.

Según Daniel Maman, director de la galería Daniel Maman Fine Art, hay tres reglas básicas para comprar un cuadro: enamorarse de él, buscar asesoramiento indicado para saber qué comprar del artista escogido (adquirir los mejores años de cada artista) y pagar un buen precio. “Es un combo perfecto: mientras se disfruta de la obra, se sigue valorizando”, resume. Para el dueño de la galería homónima es difícil encontrar un valor promedio de las obras, pero establece que un “Arlequín” de Pettoruti de cuerpo entero puede llegar a valer US$ 3 millones e incluso “El Quinteto”, del mismo autor, lo supera ampliamente, si bien no está en venta (pertenece a la colección Blaquier). Un Xul Solar puede llegar a los US$ 200.000 y lo más valioso de Berni, en remate, alcanzó los US$ 750.000. Entre los contemporáneos, Kuitca puede cotizar entre US$ 200.000 y US$ 400.000. “Esos son valores máximos, pero también se pueden comprar obras entre US$ 2000 y US$ 10.000, que mañana costarán US$ 100.000”, explica Maman.

Pese a que el arte sigue siendo una opción tentadora, la crisis internacional hizo mella en el negocio local. “Se gastó bastante menos. Fue uno de los peores de los últimos 30 años”, dispara Maman. Herlitzka coincide: “El arte acompaña los vaivenes económicos de un país, cuando crece y cuando cae”. Por el contrario, Gutiérrez Zaldívar asegura que “a esta altura del año, el mercado de arte es un 12 por ciento más fuerte en ventas que en 2008”. Sí coinciden los especialistas en que los remates cayeron entre un 30 y un 35 por ciento: mientras que el último año se comercializaron obras por entre US$ 14 millones y US$ 17 millones, 2009 cerrará en unos US$ 10 millones/US$ 12 millones. Ruberto estima una caída del 35 por ciento en los valores de las obras argentinas. Según el coleccionista, el arte clásico, impresionista y old masters no se han visto mayormente afectados, pero sí el contemporáneo, al que describe como “la gran burbuja”, porque es más especulativo. En el mercado internacional, el valor de las obras cayó un 50 por ciento. Sin embargo, las crisis económicas, ofrecen oportunidad de adquirir obras a menor costo, que en buenos años pueden crecer significativamente en valor.

Perfil del inversor
¿Quiénes invierten hoy en arte? En los últimos años, aseguran los especialistas, aumentó el número de inversores más jóvenes, estimulados por el boom del arte contemporáneo en el exterior. “El inversor tipo de hoy es el profesional o emprendedor de entre 30 y 45 años”, describe Sánchez Zinny. Para Gutiérrez Zaldívar, las edades de los compradores varían entre 35 y 70 años, y la compra promedio es de US$ 8000.

“En la Argentina, todavía no hay gente que invierta en millones de dólares, porque tampoco hay cuadros que lo valgan. Sí en cientos de miles. Por ejemplo, un cuadro puntual de Pettoruti, que puede valer US$ 100.000” explica Deleau, que caracteriza a estos compradores como “yuppies de 40 años, CEOs de empresas, que tienen una buena capitalización y se dan un gusto”. El especialista estima que un CEO puede “darse el lujo” de comprar un cuadro de hasta US$ 100.000. Para un gerente o director, “puede ser algo razonable”entre US$ 5000 y US$ 10.000.

Para los jóvenes que quieren invertir a 30 años, los expertos recomiendan los grabados, que tienen precios de US$ 100 a US$ 1000. Lo mismo pasa con los dibujos y la escultura: cada 100 pinturas, se venden dos esculturas y cuatro dibujos. Desde SZ Consultores recomiendan que nunca falten los trabajos sobre tela, así como técnicas en vidrio o madera, además de fotografía. Deleau, que también es director de Buenos Aires Photo, coincide. “Un fotógrafo contemporáneo muy bueno, como carísimo, puede tener obras por US$ 10.000. En Brasil, cualquiera parte de US$ 15.000”, dice.

“Si la obra fue bien comprada, en su justo valor, es de un buen artista, y de calidad, establecido o emergente, tiene posibilidades incrementar su valor en el tiempo”, concluye Herlitzka.

-Revista: Apertura del arte, Buenos Aires, Argentina
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El Arte es para muchos, además de una representación muy subjetiva del mundo que nos rodea, una oportunidad de inversión con posibilidades muy lucrativas. Hay quienes se atreven a comparar el arte con una inversión tan sólida como la inmobiliaria por sus caracteristicas: no representa mayores dificultades de conservación, es fácil de trasladar y su comercialización es relativamente sencilla en el mercado nacional e internacional.
Asi mismo, están en el extremo opuesto al comercial, quienes gustan de adquirir una obra de arte por disfrutarla en su contemplación, éstas personas consideran al arte como un verdadero vistazo al mundo a travéz de los ojos de quien lo crea, con las ventajas de que puede disfrutarla siempre que se desea y al mismo tiempo posee la posibilidad de su eventual actualización como bien de venta.
Si usted está interesado en incursionar en el mundo del coleccionismo de arte, o simplemente desea adquirir obras de arte por gusto personal, es importante tener en cuenta algunos aspectos básicos para la compra de las mismas:
1.- Establezca un criterio de colección. Le permitirá crear una colección consistente agrupada por determinadas características. Este criterio puede ser una temática determinada, un artista específico, un movimiento artístico, un estilo especifico, etc.
2.- Eduque su retina y criterio. Antes de comprar una obra de arte, debe entender lo que le gusta, lo que no le gusta y por qué, informarse por medio de profecionales (no vendedores, que pueden distorcionar su criterio por ventaja) de ése modo evitará caer en compras compulsivas y que difieren de su criterio de colección.
3.- Establezca un presupuesto. Si establece un presupuesto y se apega a él evitará pagar más de lo que puede. En una buena compra debe tener en cuenta que la inversión realizada será rentable a mediano y largo plazo; para establecerlo, debe saber que compra y a que precio.
4.- Sea un coleccionista responsable. Infórmese de la evolución y actividades de los artistas de su colección. Hay coleccionistas con buen ojo clínico que sistemáticamente, apuestan por artistas jóvenes, incluso, desconocidos en la confianza de que algún día centuplicarán su inversión. Muchas veces, se obtienen buenos resultados, sobre todo si se tiene buen gusto y un cuidadoso sentido crítico.
5.- La autoría. Es tambien muy importante considerar que una obra cuente con el reconocimiento del autor, ésto aumenta la valoración de la misma, que cada vez depende más del autor, desde que los renacentistas aconsejaban firmar las obras. Autor, taller, escuela, son valores escalonados de más a menos que autentifican la firma, ya que la falsificación de la misma puede provocar un escándalo, aunque más en el mundo comercial que en el creativo, pero afecta también al coleccionista o adquisidor de la obra pues su inversión se ve perdida al observarse poseedor de una obra no original.
Certificado de Autenticidad, la garantía para comprar una Obra de Arte Original
Si eres un amante del arte y quieres adquirir cualquier obra, primero debes asegúrate de que no es una falsificación. La mejor garantía para adquirir una obra de arte original es la autenticidad. Además, el certificado de autenticidad representa un valor añadido adicional.
Vamos a repasar algunos de los conceptos incluidos en el Certificado:
1. El nombre del artista (o nombres, si se trata de más de uno), nombre artístico y el título de la obra, son fundamentales.
2. La técnica, y el soporte también deben figurar, así como el tamaño de la pieza. En caso de obra sobre papel, puede especificarse el tamaño del papel y el tamaño de la imagen, por separado, o un único tamaño (generalmente el tamaño de la imagen). En obra gráfica y fotografía, así como en escultura de edición limitada, es imprescindible que figure el tamaño de la edición, pudiendo además especificarse qué numero de edición es el ejemplar concreto adquirido.
3. La fecha de la obra también es esencial, puesto que un artista puede cambiar de estilo en diferentes épocas de su carrera profesional. Muchos años después de que el artista haya muerto esta documentación permitirá a los historiadores de arte establecer la cronología de su obra.
4. La firma legal del artista así como la firma artistica (en caso de utilizar alguna).
En un certificado se puede añadir información adicional, como puede ser referencias de la obra, catalogación, etc. También es importante que figuren los detalles de la galería u organización que expide el certificado, para referencias futuras.
Que tipo de artistas debería coleccionar?
Primeramente debe ser un artista cuya obra te guste, ya que si adquieres una obra para colgarla en tu casa, lo logico y mas sensato es que dicha obra te guste. Si ademas buscas adquirir piezas cuyo valor aumente con el tiempo ten en cuenta las clasificaciones de artistas, para que sepas cuanto debes invertir y asi mismo, cuanto podrán revalorizarce despues.
- Artistas famosos. Si cuentas con varios miles de dolares, puedes adquirir las obras de maestros contemporáneos, ya sean del siglo XX como Picasso o Chagall, o contemporáneos, como Hirst, Hockney o Barceló, son apuestas seguras. Dado que éstos artistas tienen una producción de obras limitada, y éstas tienden a mantener sus precios y generalmente a incrementarlos.
- Artistas establecidos. Son artistas que tienen una trayectoria que demuestra numerosas exposiciones, y que están labrándose un nombre. Sus precios son bastante estables y son muchas las posibilidades de que aumenten con el tiempo, en la mayor parte de los casos.
- Artistas emergentes. Son aquellos que tienen pocos años de carrera y que se muestran como promesas importantes. Hay muchos coleccionistas con buen ojo clínico que sistemáticamente, apuestan por artistas jóvenes, incluso, desconocidos en la confianza de que algún día centuplicarán su inversión. Así, el tiempo no irá más que reafirmando la obra del autor e incrementando su precio.
Galerías, marchants, o empresarios, pueden ser también impulsadores de talentos, para asegurar su inversión. Apoyando en publicidad, exposiciones y adquisición de sus obras, siempre y cuando sean de calidad reconocible.
-Guía de inversión de arte, Mercado Libre
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Invertir o coleccionar, ¿es esa la cuestión? La pregunta no es un truco retórico. También se podría decir que el coleccionista de arte invierte y el inversor colecciona, lo que parece una auténtica tautología. Pero, la reflexión es indispensable para todo el que quiera iniciarse en el mercado del arte. Sencillamente porque la inversión en este sector, que a menudo se beneficia de altas revalorizaciones, se ha convertido hoy en una ciencia compleja, quizás reservada a especialistas y a grandes patrimonios.

Caso distinto es el del coleccionismo, que responde a criterios más simples y subjetivos, casi siempre relacionados con los gustos plásticos y estéticos, las modas y las tendencias, el estatus personal o las necesidades y las ambiciones suntuarias. Este es el asunto que nos ocupa: una simple consulta en galerías y catálogos revela que se pueden conseguir obras a precios que oscilan entre 1.000 y 3.000 euros con plenas garantías para un principiante. En latinoamérica,los costos son todavía menores, facilitándonos la posibilidad de invertir en obras de arte. Y otra cosa; para invertir hoy en arte ya no es necesario comprar y poseer un cuadro o una escultura, puesto que se pueden tomar participaciones en fondos de inversión dedicados en exclusiva a este tipo de operaciones. En este caso no se trata de coleccionistas, sino de inversores que diversifican su patrimonio con la aportación de cantidades más que asequibles en unos instrumentos financieros que sólo suman o restan rentabilidad al capital depositado.

Parece claro que este tipo de operaciones no tienen nada que ver con las que protagonizan los grandes coleccionistas, que pujan directamente o a través de representantes en las subastas de Sotheby's, Christie's o de Phillips de Pury, y cuya meta por regla general es hacer compatible su gusto estético con la mejora de una colección normalmente preexistente y la revalorización de la pieza adquirida.

Parecida intención es la que guía los primeros pasos de cualquier persona que pretende introducirse en el mundo del coleccionismo plástico. Unos primeros pasos no tan sencillos, sobre los que conviene reflexionar por anticipado, evaluando cuestiones tan fundamentales como el presupuesto disponible, las preferencias por corrientes, épocas y autores; y las posibilidades espaciales a la hora de colgar o exhibir lo comprado.

Lo mejor es ponerse en manos de los profesionales. Por un lado, existen en España algunos asesores que 'guían' al cliente en su actividad coleccionista. Es el caso, entre otros, de María Martín (c/ Gran Vía 62, Madrid) o de los consultores ABV Arte (c/Argensola, 14.1º Izda, Madrid), ambos bien conocidos y con experiencia contrastada en el mercado del arte global. Otra posibilidad es la de las galerías, siempre atentas al más cercano y barato arte emergente o a la comercialización de artistas consagrados. En muchas de ellas no sólo se dan facilidades de pago, sino que además se asesora al cliente e incluso se oferta la posibilidad de la compra a plazos, que permiten la adquisición de piezas con 'pagos de letras' mensuales o trimestrales.
Siempre es recomendable, para los jóvenes nuevos coleccionistas, que inviertan en artistas emergentes recomendados, o notablemente creativos y genuinos
Galerías interesantes
Puestos a dar consejos para el novato que pretende iniciarse en el coleccionismo artístico con un presupuesto reducido, los especialistas coinciden en recomendar al principio la compra de fotografía -género que registra una importante revalorización en los últimos años-, u optar por dibujos y grabados de formatos pequeños. Y sobre todo, y como consejo general, conviene decantarse por obras firmadas por autores emergentes con precios que todavía son interesantes. Si sabes atinar bien sobre un nuevo artista, puedes multiplicar ampliamente tu inversión.
Entre las galerías españolas que más han destacado en la promoción de los nuevos valores se pueden citar a Campos (Zaragoza), El Aleph (Ciudad Real), Vanguardia y Windsor (Bilbao), Espai b (Barcelona) o La Fresh Gallery (Madrid). Si nos apetece invertir en fotografía conviene pasarse por La Fábrica (Madrid), Photo Gallery 20 (Bilbao) o por Tagomago (Barcelona). Otra posibilidad para el nuevo coleccionista son las subastas y las ferias, aunque también aquí se hace necesario contar con asesoramiento.
En Arco no siempre se encuentran los grandes chollos, pero sí estamos ante el mejor escaparate para descubrir las últimas corrientes que reúne, además, a todos los agentes del sector. Es la ocasión más propicia para iniciarse en el coleccionismo, en el que resulta fundamental mantener dos cuestiones esenciales: constancia y coherencia.

ENRIQUE PORTOCARRERO -especialista en inversiones de arte- Madrid, España

La necesidad de un cambio en el arte contemporaneo

2010-09-13T10:14:00.000-07:00

Es el arte cualquier expresión? Podemos decir que una rata muerta en el excusado puede ser arte?, es la mierda sobre un lienzo una gran obra conceptual? Si para alguno lo es, re define para si su propio concepto de lo que es el ARTE, es entonces el arte cualquier cosa que se exponga ante la mirada del espectador, como el simio que pinta, los garabatos de un bebé, el día que se cayeron los espagueti sobre una tela... y a alguien se le ocurrió exhibirlo y ponerle precio. Sea anatema hacia el significado del arte aquello que no signifique capacidad creativa, técnica, inteligencia y belleza. Si son conceptos relativos, no por ello no tienen parámetros.

Acaso podemos decir que, así como nuestra sociedad se degrada, podemos convertir el arte en un tiradero aborrecible y relacionarlo con el mundo? Mentira, lo que ocurre es simple, ya los artistas no somos los que forman la historia actual del arte, son los comerciantes, los que manejan el dinero, juegan con las ideas de cualquier persona que ofrezca algo nuevo que se pueda vender, hacer escándalo o crear publicidad... Pues que se atiborren de carne muerta, basura y cuanto supuesto arte encontramos ahora.

Es muy fácil poner un montón de platos amarrados de un hilo, botellas de coca cola en algún proceso aleatorio, o clavar zapatos en el piso a manera de pasos. Hecho esto, es sencillo crear toda una historia y relacionarla con la degradación social, con conceptos filosóficos o incluso matemáticos. Se ocupa un poco de conocimiento, inteligencia y creatividad, no lo niego, pero nada que alguien medianamente capaz no pueda hacer. Se me ocurren miles de instalaciones, con miles de argumentos que quizá lo pueda explotar algún marchante del arte actual. Por poner un ejemplo, ponemos una estatuilla de un buda o algo así, con un charco de pintura roja a manera de sangre, le hacemos un hueco en el costado y quizá lo volcamos... Entonces lo colocamos en una tarima y escribimos un largo texto relacionado con el libro de Nietzsche, el ocaso de los ídolos y un paralelismo con el budismo y los síntomas de decadencia que implica la religión y la moral según este escritor. Es decir, tomarle el pelo a la gente con un poco de conocimiento, pero con una completa mediocridad compositiva y estética. Claro que voy a crear una reacción fuerte, y puedo mejorarla con sin fin de otras ocurrencias como esta inventada en tan solo unos tres minutos. Esto no hace una obra de arte, porque la obra la hace la parte visual en conjunto con la parte crítica.

O quizá debiera hacerme menos conservador, y empezar a usar huesos, carne y orín como parte de mi material de trabajo.

En una sociedad convulsa, neurótica y acelerada, ¿realmente vale la pena añadirle más agresión y crítica negativa?

Ya sabemos que existe maldad, violencia, miseria y dolor... ¿Debemos exponerla en cara de la gente, como si no lo supieran?.

El arte no debe ser siempre reflejo de la sociedad, a este punto de corrupción y maldad, debemos contribuir con estética, belleza, serenidad, paz, orden y conocimiento.

Y esta es una misión más difícil, el arte que podemos poner en la casa o en la oficina para suministrarnos un concepto sereno y tranquilizador. El arte que no nos deprime, que no nos asfixie, que no nos llene la cabeza de ideas de degradación o superficialidad.

La responsabilidad no solo recae en los artistas contemporáneos, por encima de ello, es responsabilidad de los coleccionistas, compradores, galerías y encargados de mercadear el arte.

El arte sufre hoy día una crisis en esta etapa contemporánea. Por fuera de la económica es la que podría llamarse “crisis del caos”.

Hoy en día, nadie realmente puede definir lo que es una obra de arte, los criterios chocan, se confunden y se contradicen. Lo que para algunos pudiera ser basura, para otro es una nueva corriente filosófica conceptual.

Desde aproximadamente mediados del siglo pasado, el arte está en esta situación que puede ser calificada de desquiciada. Los criterios teóricos y prácticos por los cuales se regía han ido cambiando a la par que lo ha hecho la sociedad; por lo tanto, no es de extrañar que los cambios hayan sido bastante radicales en las últimas décadas. Esto se refleja en los temas que tratan los artistas y en los medios que utilizan. En general, todo vale con tal de impactar en el público.

Frecuentemente el artista abandona toda reflexión intelectual en favor de lo extravagante, las curiosidades científicas, mecánicas o electrónicas, los meros trabajos de bricolaje, las "manualidades", artesanías, las acumulaciones de objetos o de basura, los juegos de entretenimiento, los actos deportivos, la exhibición de cadáveres de animales (e incluso de personas), etc, presentándolo como el súmmum del arte moderno, de la originalidad y de la creatividad artística. Como dice el historiador alemán Karl Ruhrberg: "a veces, la distancia entre la ambición filosófica y teórica de una obra de arte y la banalidad de su plasmación llega a ser tan grande que llega al absurdo". Pero la culpa no es tanto de los artistas como de aquellos que les alientan a realizar ese tipo de "arte": los museos e instituciones públicas, o coleccionistas, a menudo convertidos en centros dinamizadores, o mejor dicho, dictadores de la cultura abiertos sólo a las "novedades" estrambóticas que les permitan dejar bien patente su "progresismo"; y los críticos y marchantes serviles que influyen y condicionan a los coleccionistas de la alta burguesía, quienes no tienen más preocupaciones que la moda, el snobismo, el estar siempre en vanguardia, y el deseo de poseer las obras que esos críticos y marchantes les presentan como el "éxito del momento" del arte contemporáneo.

La pintura actual no escapa a esa situación. La distinción entre abstracción y objetividad es ya algo anacrónico. Todo vale, desde la pintura más espontánea y elemental hasta la estrictamente conceptual y las configuraciones eclécticas. No ha cristalizado ninguna tentativa innovadora y de momento este tradicional medio artístico parece estar muy limitado.

Pero aún existen artistas genuinos, que trabajan al margen del comercio y ponen por prioridad el desarrollo interior y el deseo de comunicar una expresión personal, con capacidad técnica y creativa, por encima de la ambición superficial.”

Si es bien sabido que pueden comerciar cualquier cosa, y darle fama y valor a lo que sea, ¿porque no le dan prioridad al arte que equilibre nuestra vida con optimismo y orden estético?.

No es solo la creatividad y el concepto, es tener la capacidad de transmitir energía positiva.

¿Volveremos pues a los paisajes y los jarrones? Por supuesto que no, porque la estética sin concepto, sin criterio propio, y sin creatividad desvaloriza cualquier trabajo.

Tengamos la sensibilidad y la inteligencia para discernir que obra de arte nos puede ayudar a mejorar nuestro entorno, pensemos que queremos transmitir a nuestros hijos, a nuestros amigos, a nosotros mismos.

El arte inteligente, genuino, creativo, equilibrado y positivo. Ni lo negativo, ni lo vacío, ni común y trillado añade mucho valor a nuestro entorno y a nuestra inversión.

El mercado del arte y la relatividad del precio

2010-04-30T14:34:00.000-07:00

En esta época, no dejamos de escuchar “crisis financiera”, y en el arte, se ha vuelto una excusa tanto para vendedores como para consumidores.

Ya más o menos entendemos esta situación y lo que implica para la economía individual, sin mencionar todas las extensiones en las que afecta directa o indirectamente.

Muchos artistas se sienten atemorizados ante el desinterés que podría generar la situación en el consumo de arte, sobre todo hablando de las artes plásticas.

Obra del artista rothko,

valorada en 72,8 mill. dolares.

Es posible que en las subastas de arte los precios disminuyan levemente, pero cuando se habla de tantos miles o millones de dólares, no es realmente perceptible. Los poderosos corredores de artes seguirán mercadeando las obras sin mayor drama, pues el mercado de arte en las altas esferas económicas es muy estable. No así cuando se trata de artistas que estamos al margen del gran show del derroche.

Descubrimos que la mayoría de artistas nos encontramos en un mercado austero, en donde se lucha una batalla por la sobre vivencia, y que a veces, símplemente no alcanza para vivir del arte. Conocemos que existen quienes venden una sola obra a precio de toda nuestra producción anual. Esto puede causar mucha insatisfacción o envidia entre los artistas. Pero ¿Vale nuestra obra menos?. Sencillamente, como arte no, pero por publicidad y fama, sí. Hasta un zapato viejo clavado en una tabla puede llegar a ser vendido en medio millón de dolares, todo depende de quien le de el valor y lo pague. Solo importa la capacidad de compra de un acaudalado enamorado del zapato viejo, y un crítico reconocido que encubra el objeto con una representación convincente, que valga la pena pagar.

En el comercio del arte, se pierde muchas veces el verdadero sentido de una obra, convirtiéndose en tan solo un objeto de inversión inflado por la imaginación. El problema no se halla en cómo se venda, o en cuanto se venda una obra. Es creer que el precio de la pieza de arte, o en donde se venda, o quien la venda, hace de dicha pintura mejor o peor propuesta.

Hoy en día, son escogidos unos cuantos artistas para triunfar, por parte de una élite de comerciantes que lo único que les interesa es el lucro excesivo y el espectáculo, manipulando el criterio por medio del bombardeo de publicidad, independientemente de si son buenos o malos creadores.
Antes, la práctica de una disciplina hacía al maestro, ahora es: "la publicidad hace al maestro"

Descubrimos con leer un poco, que el valor de las obras es relativo, sin interés real en calificar una obra por su ingenio, originalidad, técnica y propuesta. Basta con el escándalo.

La idea de escoger una obra porque hace vibrar nuestros sentidos, porque nos sensibiliza, porque nos produce alguna sensación personal, porque nos induce a pensar, porque nos gusta… Eso está pasando desapercibido.

Es imprescindible tener discernimiento para adquirir una obra, consultando en la historia, advirtiendo la capacidad técnica, sin descuidar la idea. Aprendiendo, por medio de los estudiosos del arte, y no por medio de los marchantes, que tienen su propia opinión y sus razones para querer vender una obra. El arte debe ser atractivo por su calidad silenciosa, no por su capacidad de escándalo. Pero el camino fácil es apelar a la morbosidad y lo patológico.

En fin, el consumidor es el responsable de cambiar sus prioridades de gasto y en donde comprar, a quien comprar. Es más sensato buscar a los artistas que a los intermediarios, es más sabio crear nuestro propio criterio que buscar que nos dicten dogmas. Desde que comenzamos a mostrar interés por el arte, es lógico pensar que por ende, vamos a investigar un poco sobre este, y forjar nuestra opinión y la vez que nos sensibilizamos, para saber qué es lo que queremos.

El arte al final, es un producto de primera necesidad, para quienes tienen hambre de ideas y sed de belleza. No es para los superfluos, ni para los que tienen el alma seca. Las prioridades definen a la persona. Por ello es asombroso descubrir a tantas personas, que teniendo su gran televiso lcd, su celular de última generación, su auto del año y demás productos de alto costo, no tengan en sus paredes mas que fotografías de mal gusto y artesanías chinas.
¿Que formación han tenido estas personas?

Es necesario que todas las artes, sean de prioridad educativa para la sociedad. ¿Cómo es posible que actualmente, en la mayoría de países del mundo, no exista la impartición estricta de historia y apreciación del arte?, tomarlo en cuenta con la importancia educativa que se le da a la matemática, o a la geografía. Es realmente triste descubrir el nivel de ignorancia en este tema por parte de una gran mayoría, incluso en artistas y de vendedores de arte.

El materialismo y la frivolidad en la vida, han convertido al arte plástico en un estereotipo de opulencia, o en otros casos, en una broma, en un disparate, y un objeto incomprendido. Pese a todo, cada vez son más los que muestran interés en asomarse a ese laberinto del conocimiento y la creación humana, pero a ciegas, sin saber que esperar, que creer, que interpretar, cuanto pagar, si pueden pagar.

El arte siempre será una necesidad para las personas sensibles y educadas, siempre y cuando sea por lo menos medianamente asequible y debe de serlo. La pintura o la escultura debe ser parte de todas las habitaciones, y centros de trabajo, es una necesidad del alma, debe ser un compromiso social para la sensibilización y el enriquecimiento interior, paralelo a las necesidades materiales. No debe ser visto como un lujo innecesario, incentivemos a nuestros hijos o vecinos a educar nuestros sentidos y a volver a mirar mas allá de una computadora o un televisor ...

Busquemos calidad en el arte, ideas, propuestas, obras únicas, genuinas. Los precios varían, y no es difícil tener buenas obras a precios accesibles, como es fácil encontrar trabajos mediocres altamente cotizados. Quizá la mejor inversión sea tener buenas obras en precios altos, pero ya dependerá de nuestra capacidad adquisitiva. lo importante es iniciar por cambiar nuestras prioridades y abrirnos a la posibilidad de adquirir arte genuino.

Por ahora, debemos educarnos por nuestros propios medios, leer, observar y discernir que es realmente lo que queremos tener en nuestro entorno. No dejarse llevar por las “modas” de las artes, por lo que algunos bien posicionados y con acceso a los medios de información, se dan el poder de señalar, como una religión. La única excusa para no tener obras de arte en tu casa o en donde pases mas tiempo, es ser ciego. Pero el ciego debe buscar la música para ser feliz...

El consumo de arte no entrará en crisis, por el contrario, es una excelente inversión, por encima de las joyas, el oro o la plata o de montones de papeles representativos riesgosos. Además añade belleza al entorno, estimula nuestras sensaciones y pensamientos, y añade estatus y presencia a nuestro espacio.

Al final, queda bajo criterio de cada creador y cada consumidor, ser personas sensibles, estudiadas y tener criterio propio, no simples recetas de mal gusto de una revista de modas.

"Busco a esas personas que desean una obra, que les inquieta especular y tener algo en sus casas que les transmita misterio, ideas y emociones. Cuestiono a esos que buscan a los "manejadores" de arte para que les diga que comprar, ¿que es bueno o malo?. Sin criterio propio y sin sensibilidad e inteligencia para definir una obra de arte, ¿para qué tener arte en nuestras manos?

No por moldes, si no por nuestra propia capacidad interpretativa y gusto intuitivo.

Una buena obra viene de aquel que estudia, sabe por qué pinta y el propósito de su obra. Trabaja con sinceridad creativa, sin ánimos de buscar fama con las modas, genuino y sincero, crea sus propios conceptos, sin perder jamás la capacidad técnica, el equilibrio y la belleza. Y el valor de esta obra, es tanto decisión del artista, como la exigencia del consumidor, la demanda de la obra y por ende, el precio por el reconocimiento.

Si al final el arte se ha vuelto comercio, ¿no es tiempo ya de desligarse de las ideas preconcebidas y empezar a estudiar un poquito la historia del arte y la razón del arte en la humanidad?. Ya estamos cansados, no tanto de los negociantes que manipulan el concepto del arte, si no, por encima de ello, de los incultos que creen que el dinero compra el buen gusto.”

El buen gusto se aprende

2010-04-30T12:38:00.000-07:00

Desde que nacemos, iniciamos educando nuestros sentidos, y adaptándolos a nuestro entorno.

De niños, nos enseñan a comer, y esto hace grandes diferencias en el paladar y en nuestras decisiones gastronómicas cuando adultos. Sin embargo, como dice la trillada frase, "nunca es tarde para aprender ". podemos modificar nuestro gusto a nuevos sabores en cualquier momento de nuestras vidas.

Algunos no pasan del arroz, los frijoles y la natilla. Que rico, claro esta, no podemos desdeñarlo por conocer otros platillos, pero si comiéramos solo eso todos los días, ¿sería tan rico?

Hagamos la comparación entre la cultura japonesa y los estadounidenses. En términos generales, los "gringos " comen seguido hamburguesas, papas fritas y sopas para microondas. Un paladar sumamente reducido. En contraposición están los nipones, que hacen de cada comida un ritual. Platillos finamente preparados, con amplia gama de sabores y diseños artesanales. El gusto desarrollado y la presentación impecable. Un equilibrio entre sabor y estética.

No hay que ser un erudito para saber quienes tuvieron una mejor educación gastronómica.

La moraleja aquí es simple; el buen gusto no es otra cosa que educación y conocimiento.

Pero es imprescindible la sensibilidad para querer aprender sobre algún tema.

Es muy común escuchar a personas que están satisfechos con comer "gallopinto" (arroz y frijoles revueltos con especies) con huevo todos los días. Nadie los mueve a probar comida japonesa o mediterránea, y si lo hacen puede que arruguen la cara.

Pasa exactamente lo mismo con el arte.

La gran desilusión es que hay mucho menos personas con conocimiento, por lo menos básico sobre el arte. No como hacerlo, si no por que se hace, su historia, su intención y su trascendencia.

Acostumbrados a sus imágenes cotidianas, -hablando de pintura en este caso- la persona promedio apenas logra tomar gusto por los paisajes trillados, las casitas y los negritos.

De igual manera que el "gallopinto", no podemos decir que bien preparado, es inapetecible, o en este caso, que no es "bonito". Estos temas, en el arte plástico, son la línea que marca realmente, hasta donde llegó nuestro aprendizaje. Así como en la comida, ver una obra abstracta o analítica, puede ser razón para arrugar la cara.

De los pocos que gustan del arte plástico, se dividen dos pequeños grupos. Los que saben y los que aparentan que saben.

Los que tuvieron sensibilidad para el tema y forman su criterio por medio del conocimiento, se vuelven libres para escoger, sin manipulación de vendedores o por modas regionales, simplemente ya tienen su ojo educado para disfrutar, desde un buen paisaje, hasta todo tipo de conceptos personalizados del arte contemporáneo, sin importar publicidad y palabrería.

Los que aparentan que saben tienden a comprar lo que les dicen que es bueno, suelen ser manipulados por marchantes de arte, buscan los nombres de moda en el mercado nacional o internacional y si pueden, lo pagan. Su única garantía es el relativo reconocimiento del artista.

Para volver a la comparación del arte plástico con el paladar: ¡Tomo este vino porque dicen que es bueno y la botella me costó 200 dolares¡ Pero no sabe de aromas, de color, de taninos o de cuerpo en el vino.
_Me tiene que gustar porque este es el bueno.
Por lo menos la calidad de los vinos tienen menos variantes para reconocerlo que el arte, que es casi infinito.

El arte plástico ya no se basa en corrientes y en etapas históricas, ahora son individualismos. El arte como criterio personal y estético. Pero dentro de tantas propuestas, sepamos diferenciar entre el vino y el mezcal.

Artistas genuinos no son tantos, conocedores de historia o filosofía aplicados en el arte muchos menos, otros tantos no saben pintar y no han pasado por un proceso técnico evolutivo. Es decir, el saber hacer técnicamente cualquier cosa, y al final hacer lo que se quiera, como personalización.

Al final, cuestiones que debemos tomar en cuenta o discernir rápidamente con un ojo educado.

En fin, es mejor que alguien se declare ignorante en ciertos temas, tome el "chifrijo" o la hamburguesa, como lo mejor, cuelgue paisajes de casitas en su pared, y ponga un floripondio en la mesa. En la sencillez de su existencia encajan los cuadritos artesanales.

Para los que tampoco saben de arte, pero les gusta la decoración en sus casas existen millones de piezas, que en su mayoría se sabe, llevan un proceso artesanal o fabricado en serie y no debería ser llamado arte, pero no por ello deja de ser bueno y estético. Es mejor que un fotografía familiar en un marquillo rococó. En general, de mayor dinamismo y color, desde precios muy bajos hasta intermedios, pero en fin de cuentas técnicamente limitados y en series numerosas. Estas pinturas servirán para hacer juego con la alfombra o los sillones, sin pretender un ambiente artístico, pero sí por lo menos evidencia de interés por un entorno equilibrado, con limitados recursos económicos.

Pero para los que coleccionan arte en sus casas, y tienen como ambición algo más que el valor de mercado de una obra, y buscan estar rodeados de conceptos nuevos y genuinos, estos que conocen algo mas que los reconocidos locales y los que manejan las galerías, los que saben diferenciar obras únicas de copias o imitación, o trabajos artesanales repetitivos. Para los que les gusta lo poco convencional, genuino y único, por ende más costoso, aunque no siempre en exceso. Para ellos existen pocos artistas, pero de seguro aportarán a su ambiente algo mas que equilibrio estético, si no una constante conversación filosófica y espiritual que siempre nos deja algo en que pensar. El arte es para quien lo quiera tener, no creamos en el mito que es para quien lo puede comprar. Si tienes un televisor, puedes tener una pieza de arte, es solo cuestión de gusto.

Podemos escoger entre incontables platillos de diversas regiones, pero sobre todo de distintas manos, que supieron sazonar los alimentos de manera equilibrada, de sabores únicos y de presentación exquisita. Permitámonos ampliar el gusto y aprender en el proceso.

Escribió:

Leónidas Cantillo Mendoza
artista pintor